Eric Clapton: «Slowhand», las guitarras que definieron su sonido y una vida entregada al blues
Hay músicos que quedan asociados para siempre a un instrumento. Jimi Hendrix y la Stratocaster. Jimmy Page y la Les Paul. B.B. King y Lucille. En el caso de Eric Clapton, la relación con la guitarra va todavía más allá. Sus elecciones ayudaron a moldear el sonido del blues-rock británico y acabaron influyendo incluso en los instrumentos que Fender y Martin fabricarían para las siguientes generaciones.
A sus 81 años, Clapton pertenece a una estirpe cada vez más reducida de músicos que estuvieron presentes cuando el rock moderno todavía estaba aprendiendo cuál iba a ser su lenguaje. The Yardbirds, John Mayall & the Bluesbreakers, Cream, Blind Faith, Derek and the Dominos y, finalmente, una carrera en solitario de más de medio siglo conforman un recorrido difícil de condensar.
Quizá una frase ampliamente atribuida al británico permita hacerlo mejor que cualquier lista de discos: «Cada vez que levantes tu guitarra para tocar, toca como si fuera la última vez».
De The Yardbirds a Cream: cuando nació «Slowhand»
La historia comienza en el Londres de los sesenta. Clapton, fascinado por el blues estadounidense de Robert Johnson, Freddie King o Buddy Guy, encontró en The Yardbirds uno de sus primeros grandes escaparates. Allí comenzó también a circular el apodo que terminaría acompañándolo durante toda su carrera: «Slowhand».
Su estancia en la banda, sin embargo, fue breve. Clapton quería permanecer cerca del blues y abandonó el grupo cuando su orientación empezó a acercarse al pop. Su siguiente parada, junto a John Mayall & the Bluesbreakers, resultaría decisiva.
El álbum Blues Breakers with Eric Clapton, popularmente conocido como el «Beano Album», convirtió el sonido de una guitarra eléctrica saturando un amplificador Marshall en algo prácticamente aspiracional para toda una generación de guitarristas.
Pero el verdadero salto llegó en 1966.
Junto al bajista Jack Bruce y el batería Ginger Baker, Clapton formó Cream. El formato de power trio daba espacio a los tres músicos para llevar el blues hacia territorios mucho más pesados y expansivos. Canciones como «Sunshine of Your Love» y «White Room», además de las largas improvisaciones que caracterizaban sus directos, anticiparon parte del hard rock que dominaría la década siguiente.
Clapton ya no era simplemente un buen guitarrista de blues. Se había convertido en uno de los primeros guitar heroes del rock.
«Layla»: amor, amistad y una de las grandes canciones del rock
Tras Cream y el breve paso por Blind Faith llegó Derek and the Dominos, banda formada por Clapton junto a Bobby Whitlock, Carl Radle y Jim Gordon.
En 1970 publicaron Layla and Other Assorted Love Songs. El disco no obtuvo inicialmente la dimensión comercial que cabría esperar de su reputación actual, pero el tiempo terminó colocándolo entre las obras fundamentales de Clapton.
En el centro estaba «Layla».
La canción nació marcada por los sentimientos de Clapton hacia Pattie Boyd, entonces esposa de su amigo George Harrison. De aquella situación sentimental complicada salió uno de los riffs de guitarra más reconocibles de la historia.
Y Clapton ni siquiera estuvo solo en una de las cimas guitarrísticas del álbum. Duane Allman, de The Allman Brothers Band, participó en las sesiones y su guitarra slide se convirtió en una pieza esencial de «Layla» y del sonido del disco.
La relación entre Clapton y Harrison sobreviviría, de manera extraordinaria, a una historia personal que habría destruido muchas amistades.
1971: cuando George Harrison llamó a Eric Clapton para ayudar a Bangladesh
Una de las demostraciones de aquella amistad llegó el 1 de agosto de 1971, exactamente 55 años atrás.
Bangladesh atravesaba una catástrofe humanitaria. El ciclón Bhola había devastado la región en 1970 y, al año siguiente, la guerra de independencia provocaba nuevas víctimas y millones de desplazados.
El músico bengalí Ravi Shankar explicó la situación a George Harrison y le planteó su deseo de ayudar. Harrison respondió haciendo lo que sabía hacer: llamar a sus amigos y organizar música.
Así nació The Concert for Bangladesh, celebrado mediante dos actuaciones en el Madison Square Garden de Nueva York.
Harrison consiguió reunir a Ringo Starr, Bob Dylan, Billy Preston, Leon Russell, Klaus Voormann, miembros de Badfinger y muchos otros músicos. También llamó a Clapton.
Su presencia estuvo lejos de estar garantizada. El guitarrista atravesaba entonces uno de los periodos más complicados de su vida debido a su adicción a las drogas. Finalmente consiguió subir al escenario y acompañó a Harrison, entre otros momentos, en «While My Guitar Gently Weeps».
El concierto se convirtió en un precedente para los grandes espectáculos benéficos que décadas después llevarían el concepto a una escala todavía mayor, como Live Aid.
Para Clapton, además, aquel escenario reflejaba una contradicción que acompañaría buena parte de sus primeros años de fama: mientras su reputación como guitarrista crecía, su vida personal atravesaba momentos profundamente autodestructivos.
Blackie: tres Stratocaster convertidas en una
Si hubiera que escoger una guitarra para contar la historia de Eric Clapton, probablemente sería Blackie.
Su origen resulta casi tan singular como el músico que la convirtió en icono.
A comienzos de los setenta, Clapton compró varias Fender Stratocaster antiguas en Nashville. Algunas terminaron como regalos para músicos cercanos —entre ellos George Harrison, Steve Winwood y Pete Townshend—, mientras que otras fueron desmontadas.
De aquellas piezas seleccionó sus componentes favoritos y construyó una única Stratocaster negra.
Había nacido Blackie.
La guitarra debutó sobre un escenario en enero de 1973, durante el Rainbow Concert, organizado por Pete Townshend en un intento de ayudar a Clapton a regresar a la actividad musical después de uno de sus periodos más oscuros.
Desde entonces, Blackie se convirtió en una extensión del guitarrista durante buena parte de los años setenta y primeros ochenta.
Cuando el instrumento fue retirado, su historia todavía no había terminado. En 2004 se subastó en Christie's por 959.500 dólares. Los fondos se destinaron a Crossroads Centre, el centro de tratamiento de adicciones fundado por Clapton en Antigua.
Una guitarra ensamblada a partir de otras había terminado convertida en una de las Stratocaster más célebres del planeta.
La Fender Eric Clapton Stratocaster: cuando Blackie llegó a las tiendas
La influencia de aquella guitarra acabaría trasladándose directamente al catálogo de Fender.
En 1988 apareció la Eric Clapton Stratocaster, uno de los modelos signature de artista más longevos de la compañía. Para desarrollarla, el propio mástil de Blackie sirvió como una de las referencias.
Pero no se trataba simplemente de fabricar una Stratocaster negra y colocar el nombre de Clapton sobre ella.
Uno de los elementos fundamentales del modelo fue su circuito activo de mid-boost, diseñado para aumentar considerablemente los medios y permitir que la Stratocaster se acercara a sonidos más gruesos y saturados sin perder por completo su identidad.
La idea resume bastante bien la evolución del propio Clapton: conservar la claridad y respuesta de una Strat, pero disponer del cuerpo necesario para moverse entre blues, rock y sonidos más cálidos.
Décadas después, la Eric Clapton Stratocaster continúa formando parte del legado industrial de «Slowhand». Su influencia, por tanto, no vive únicamente en discos y conciertos: también está literalmente incorporada a guitarras que otros músicos siguen utilizando.
MTV Unplugged: Clapton vuelve a transformar su sonido
Si Blackie representa al Clapton eléctrico, 1992 mostró al gran público otra cara de su relación con la guitarra.
Su actuación para MTV Unplugged eliminó buena parte de aquello que parecía inseparable de su figura: amplificadores saturados, largos solos eléctricos y el volumen del rock.
Quedaron las canciones, la voz y las guitarras acústicas.
La transformación de «Layla» fue especialmente reveladora. El riff incendiario de 1970 se convirtió dos décadas después en una pieza reposada y acústica. Era la misma composición y, al mismo tiempo, prácticamente otra canción.
El repertorio incluía también «Tears in Heaven», surgida después de la muerte de su hijo Conor. Unplugged terminó convirtiéndose en uno de los mayores éxitos comerciales de la carrera de Clapton y obtuvo seis premios Grammy en 1993.
También tuvo consecuencias para Martin.
De una Martin de 1939 a la 000-28EC
Durante aquel Unplugged, Clapton utilizó, entre otros instrumentos, una Martin 000-42 de 1939. La repercusión del concierto disparó el interés por las acústicas que aparecían en él y terminó desembocando en una colaboración entre el músico y la histórica compañía estadounidense.
En 1995 llegó la 000-42EC, limitada a 461 ejemplares, una cifra que hacía referencia a 461 Ocean Boulevard, el álbum que Clapton había publicado en 1974.
El éxito abrió el camino para un modelo todavía más importante: la Martin 000-28EC, presentada en 1996.
Su cuerpo 000 y su escala relativamente corta favorecen una respuesta especialmente cómoda para técnicas como el fingerstyle y los bends. No intenta reproducir únicamente la estética de una guitarra asociada a Clapton; busca trasladar parte de las características que encajan con su manera de tocar.
La colaboración se convirtió en una de las asociaciones entre guitarrista y fabricante acústico más reconocibles de las últimas décadas.
De esta manera, Clapton consiguió algo poco habitual: tener modelos signature de referencia tanto en el universo eléctrico de Fender como en el acústico de Martin.
Entendida dentro de esta trayectoria, la frase atribuida a Clapton —«Cada vez que levantes tu guitarra para tocar, toca como si fuera la última vez»— adquiere otra dimensión.
No habla necesariamente de virtuosismo.
Habla de intención.
Clapton pasó de intentar reproducir el blues estadounidense que escuchaba de adolescente a participar en el nacimiento del blues-rock británico; de Cream a «Layla»; de los excesos de los setenta a sentarse frente a las cámaras de MTV con una acústica; de ensamblar Blackie con piezas de varias guitarras a colaborar directamente en instrumentos fabricados con su nombre.
También ha vivido pérdidas personales, adicciones, recuperaciones y etapas artísticas radicalmente diferentes.
Por eso resulta difícil separar su música de sus guitarras. Blackie no fue únicamente una Stratocaster famosa y la 000-28EC no es solamente un modelo signature: ambas representan dos formas distintas de entender a un músico que convirtió el instrumento en el hilo conductor de toda su carrera.
Más de seis décadas después de sus primeros pasos profesionales, el legado de «Slowhand» sigue apareciendo cada vez que alguien conecta una Stratocaster buscando un blues cálido o se sienta con una acústica para descubrir cuánto puede decir una canción cuando se queda prácticamente desnuda.
Porque quizá esa sea la enseñanza más duradera de Clapton: una guitarra importa por su construcción, sus pastillas, su madera y su historia, pero al final todo depende de lo que ocurra cuando alguien decide levantarla y tocar como si no fuese a existir otra oportunidad.
Redacción: Izan López